Ad Auschwitz cera la neve il fumo saliva lento nel freddo giorno dinverno e adesso sono nel vento.

Ad Auschwitz tante persone ma un solo grande silenzio che strano non ho imparato a sorridere qui nel vento.

Io chiedo come può luomo uccidere un suo fratello eppure siamo a milioni in polvere qui nel vento.

Ancora tuona il cannone ancora non è contenta di sangue la bestia umana e ancora ci porta il vento.

Io chiedo quando sarà che luomo potrà imparare a vivere senza ammazzare e il vento si poserà.

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La band alessandrina, nata nel 2008, ha infatti trasformato la vetrina del negozio di abbigliamento Il Barbiere di Rio in un palcoscenico d’eccezione, proponendo ai passanti cover di brani molto famosi e pezzi propri, suscitando la curiosità e l’apprezzamento del pubblico.

E’ un’idea originale commenta una spettatrice una calamita per gli occhi e per le orecchie. Una buona occasione per coniugare musica e shopping, come ci spiega Simone Lumina, proprietario del negozio: L’idea è nata per dare vivacità alla città e al commercio, nella speranza di lanciare un’iniziativa che porti un ritorno pubblicitario, ma anche un divertimento gratuito e sano come la buona musica sa essere. Le idee sono ancora tante prosegue Lumina anche se è forte la necessità di intervenire sui costi e sulle deroghe al rumore, specialmente per i dehor. L’idea è nata per caso raccontano i Sensitive to the lite mentre decidevamo il tema per la foto dei volantini: avevamo pensato ad alcuni manichini, vestiti con il nostro stile, fotografati in una vetrina. Da lì a chiederci perchè non potevamo metterci noi stessi, in vetrina, il passo è stato breve. E oggi siamo qui, con questa iniziativa che speriamo abbia grande successo.

Una band giovane, promettente e piena di idee, dunque, che nasce quattro anni fa nell’alessandrino, dimostrando fin da subito di saper giocare con i suoni. Dopo i consensi del tour 2008/2009, che ha visto la band esibirsi in città del calibro di Roma, Torino, Genova, Rimini e Brescia, arrivano, nel 2011, i giudizi di Giampaolo Rosselli, consulente SONY BMG, e di Valter Sacripanti, produttore artistico.

I Sensitive to the lite definiscono così il proprio stile, prettamente pop rock, pur restando i musicisti continuamente in aggiornamento. Arriva poi la registrazione di un EP agli XM studio di Daniele Persoglio e Andrea Mazzetto (Finley) e il noto producer Fabrizio Chiapello (già con Baustelle, Niccolò Fabi, Arisa) decide di seguire, nel 2011, gli arrangiamenti delle loro canzoni. Non mancano le date in programma: questa sera si esibiranno al Jamaica, mentre il 2 marzo calcheranno il palcoscenico del locale Al Don, a San Giuliano Nuovo….

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È quanto successo, tra le altre, per la data di Milano, inizialmente prevista per lo scorso 24 ottobre ed invece rimandata al 25 gennaio, con tanto di cambio di location: dall’Alcatraz ai Magazzini Generali. Un concerto atteso per molti motivi, insomma, eppure, nonostante le indubbie capacità dei membri della band, che ha lasciato un po’ di amaro in bocca.

In primis, per il discutibile orario: lo spettacolo è iniziato prestissimo, alle 20.30 circa, quando al massimo di solito suona il gruppo di supporto, in questo caso assente. Non c’è dunque da stupirsi che il locale abbia preso a riempirsi solo a concerto inoltrato: generalmente si tratta di show che non cominciano prima delle 21.00, 21.30, come del resto era indicato sul biglietto.

C’è da dire che la differenza si è sentita veramente poco, a livello di entusiasmo dalla folla: il pubblico è stato per tutto il tempo la nota più dolente della serata. Poco movimento, limitato pressoché esclusivamente alle primissime file, un’ostinata immobilità resistente persino agli svariati tentativi di coinvolgimento provenienti dal palco. Persino pezzi storici come Open your eyes non sono riusciti a scatenare gli spettatori, che hanno dato cenni di vita esclusivamente sugli ultimi due pezzi in scaletta:Big in Japan e Lords of the boards.

Ecco, parliamo della scaletta: diciassette brani, più della metà provenienti dall’ultimo disco. Niente da dire, anzi: pezzi come Fanman, She’s a killer e soprattutto All I wanna do dal vivo si sono rivelati incredibili. Ma il fatto che dei precedenti dischi siano stati eseguiti solo i principali singoli ha avuto il suo peso: è andata bene con You can’t stop me, Pretty in scarlet o Quietly, ma la mancanza di Break the line, No speech o Living in a lie si è decisamente fatta sentire.

Infine, un unico rimprovero da muovere alla band, rivolto alla frontgirl: la voce di Sandra è infatti celebre per il suo perfetto connubio tra melodicità e grinta sfociante nel growl; tuttavia l’impressione che si ha sentendola dal vivo è che tenda ad evitare quanto più possibile qualsiasi tipo di urlo o di tonalità superiore ad un certo limite. Le si deve riconoscere comunque una gran voce, ma purtroppo non al livello delle aspettative. Per il resto, niente di cui lamentarsi: sul palco si è potuta notare moltissima tecnica ed entusiasmo, coronati dalla perfetta alchimia tra i diversi membri del gruppo, che ha di certo giovato allo spettacolo.

Insomma: un concerto tutto sommato molto buono di una band che merita senza dubbio la propria fama, ma purtroppo non abbastanza buono da farti uscire dal locale strappandoti uno ‘wow’…

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A mesi dalla mia recensione di Rojo, ultima fatica di Canali & co, si parla dei Nolatzco, gruppo emilianoparanoico, della stessa Emilia madre di talenti musicali e letterari dagli ‘80 al presente.

E Nolatzco sta proprio in mezzo a questo prolifero calderone, tra i capostipidi CCCP-CSI e VascoBrondi. Giovanni “Nani” Fanelli (bassista, cantante e frontman della band) è infatti il bassista dei Rossofuoco, band che accompagna Giorgio Canali negli ultimi anni e l’ex leader dei QuintoStato, uno tra i preferiti di Brondi. Robe in famiglia insomma.

Io e Giovanni (Nani) Fanelli in comune abbiamo che ci imbarazza la diretta, da quel che vengo a sapere. Oltre a, probabilmente, una ramata di concerti e ascolti. Così ci tuffiamo nel primo lavoro dei Nolatzo, Assalto alla Luna, che, con lo stesso gusto di un bambino che scarta i regali sotto l’albero, ho avuto il piacere di ascoltare in anteprima. Un disco ruvido, forte e vero; violento e punk quanto dolce e cullante, di un gruppo che guarda al passato proiettandosi nel futuro, fatto di tradizione e sperimentazione. Ah, sul palco ci sono due bassisti.

Ciao Nani Nolatzco. Perché Nolatzco? Cosa o chi è?

io mi chiedo invece perchè Nani?? Perdonami lo sfogo, ma ancora devo abituarmi a questo diminutivo che mi porto dietro fin da piccolo e che mi ha affibiato mia madre. Ricordo la vergogna, quando venivano i miei amici a trovarmi… Sentirsi chiamare dalla cucina… Naaaaaaanniiiiiiiiiiiiiii!!!!! tra le risatine degli altri. Vabbè. Torniamo a Nolatzco, che è la storpiatura di Nolasco, anarchico protagonista di un romanzo di Sépulveda che confesso di non aver letto. L’idea è stata dell’ex chitarrista Ivo Giammetta che ha trovato per il gruppo un nome abbastanza originale ma al tempo stesso facilmente ricordabile una volta che ne hai fatto lo spelling per almeno sei volte…

Le radici artistico-geografiche sono forti e riconoscibili. La possibilità di essere affiancati spesso a nomi quali Canali o Brondi è per voi motivo di felicità o una gabbia dalla quale evadere?

Canali è per me una guida morale ed intellettuale, un’inesauribile fonte di ispirazione professionale, politica, poetica. Non ci parliamo molto quando stiamo assieme ai concerti. Mi piace osservarlo ed ascoltarlo per trarne beneficio. Vasco, la prima volta che l’ho visto invece è stato ad un concerto del mio precedente progetto, Quinto Stato. Comprò il nostro disco. Qualche anno dopo esplose il fenomeno Le luci. Forse per stupidissima invidia non ho mai prestato molta attenzione al suo lavoro, ma ne riconosco l’importanza.

Partendo da un’innegabile lavoro personale, si sente forte l’influenza dei Rossofuoco, vista anche la tua militanza nella band. Com’è lavorare con un mostro del rock come Canali? Quali sono i pro e i contro di lui artista e persona?

Da qualche anno ho il privilegio di suonare coi Rossofuoco, e stare a contatto con Giorgio e soci rappresenta una scuola che certi musicisti pagherebbero per frequentare. Che sia fottutissimamente stronzo è innegabile, durante la registrazione del mio disco abbiamo anche litigato peso… anzi.. gli faccio un appello.. Facciamo pace!

Il vostro prodotto è un disco che giace tra il passato e il futuro. Argomenti più che mai attuali portati da una musica rock piuttosto tradizionalista. Qual è il vostro rapporto con la musica emergente italiana?..

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La Labaki conferma l’attenzione per le storie corali e per un punto di vista femminile sulla società libanese raccontando di un isolato villaggio in cui le comunità cristiana e musulmana hanno incredibilmente trovato il modo di vivere insieme e in pace. Ma quando la Storia sempre nuova e sempre uguale di un Paese dilaniato dai conflitti religiosi tornerà a bussare alle loro porte, le donne del villaggio, stufe di piangere morti premature, faranno di tutto pur di salvare i loro cari dalla sua furia insensata.

Ottima sceneggiatura, scritta dalla regista con la collaborazione di Jihad Hojeily e Rodney Al Haddad, in grado di tenere bene i fili delle mini trame intrecciate, presentando con pochi efficaci tratti i personaggi – affidati quasi tutti alle interpretazioni di attori non professionisti – e dipingendone con brio i caratteri, le idiosincrasie, la sfrontata umanità.

Nadine Labaki crede nella possibilità della commedia di riuscire a trattare in maniera profonda e valida argomenti tragici. C’è la guerra, c’è una violenza insensata e crudele che si arrampica fino sulle colline di un villaggio quasi isolato dal resto del mondo, viaggiando sulle onde radio avventurosamente captate con antenne di fortuna, annidata con le mine nei sentieri di campagna; ci sono ignoranza e pregiudizi religiosi; ma a combattere con tutto questo c’è la sfrenata immaginazione di un gruppo di donne, pronte a scendere a compromessi, spesso esilaranti, con tutto quello che hanno sempre creduto per salvare i propri affetti. Perché una donna prima di essere musulmana o cristiana, bianca o nera sarà sempre una madre e una moglie, ed è nella ragione del cuore femminile che Nadine Labaki indica una possibilità di salvezza – razionale pur nel suo essere quasi fiabesca – per questo mondo violento e stolto. …

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40 carati uscirà il prossimo 10 febbraio e vi consiglio caldamente di andare al cinema per dimenticarvi (almeno per tutta la durata del lungometraggio) chi siete, cosa fate nella vita e cosa dovrete fare una volta usciti dalla sala.

Brevemente la sinossi: Nick Cassidy, ex poliziotto newyorkese ora galeotto evaso di prigione, entra nel faomoso Roosvelt Hotel di New York, si avvia verso uno dei piani più alti del grattacielo e si piazza sul cornicione.

La sceneggiatura (brillante) di Pablo F. Fenjves con un meccanismo di scatole cinesi ci porta ogni tot minuti a scoprire qualcosa in più del perché e del per come il nostro protagonista abbia deciso di farla finita.

Lo spettatore è spaesato per la fotografia, la scenografia mozzafiato e, in generale, per la situazione di grande adrenalina che i protagonisti vivono per tutto l’arco del film.

Colpi di scena continui, ribaltamenti di fronte spiazzanti per questa pellicola della Eagle Pictures che si avvale anche di un ottimo cast: il protagonista Sam Worthington (il marine di Avatar) è in parte così come il resto degli attori…forse l’unico che non convince totalmente è Ed Harris che ci ha abituato a prove migliori e qui, nell’interpretare il cattivo di turno, ogni tanto è fin troppo stereotipato, a volte quasi caricaturale.

Che altro aggiungere? Ottimo il montaggio frenetico di Kevin Smitt. Le musiche di Henry Jackman si incastrano bene nel contesto e persino la grafica e l’animazione dei titoli di coda è ipnotica!

Il mio consiglio, ancora una volta: NON PERDETELO!…

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A partire da questo numero, infatti, FULL raggiungerà regolarmente La Valletta e l’isola di Gozo, attraverso un circuito culturale selezionato di cui daremo dettaglio in seguito.

Appena tornato da questo fantastico viaggio con un enorme bagaglio di fotografie, contenuti ed emozioni, FULL Magazine desidera ringraziare, prima di tutto, le moltissime persone e realtà che, a vario titolo, hanno contribuito in modo indispensabile alla realizzazione dell’intero reportage.

Dopo Liverpool, Mosca, lo Yemen, Roma e Madrid, FULL incrementa decisamente la propria attenzione rivolta al tema del viaggio attraverso un lavoro fotografico e contenutistico ancora più completo. Vi aspettiamo come sempre numerosi per godere con noi di questo incredibile tour!

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Ho stroncato a malincuore l’energica voce di Corrado Meraviglia e la pausa sull’i-pod mi ha riportato alla realtà. Un’altra giornata carica di buone intenzioni, insomma; la stessa in cui ho deciso che non potevo non parlarvi del nuovo lavoro del cantautore savonese; perché un conto è mettersi all’ascolto di una serie di canzoni, un altro è immedesimarsi nelle stesse e a quel punto non c’è da stupirsi se vostra madre che mai ha smesso di blaterare, condivide il suo, il mio, il vostro stesso pensiero: “Parlo sempre con le persone sbagliate”.

Corrado, un uomo come tanti che a un certo punto ha deciso di partecipare ad una seduta di psicodramma, con la differenza che alla terapia di gruppo ha preferito quella individuale e all’improvvisazione scene di vita vissuta. Fuggito per un attimo al trantran collettivo, ha deciso così di calarsi nelle vesti di cantastorie moderno per nulla smanioso di conquistarsi la scena. Il risultato? Undici racconti che si susseguono abilmente lungo un filo narrativo intimistico dal forte impatto emotivo. Carezze, cicatrici, “graffi” come prova vivente di qualcosa che conta, di pensieri vivi anche se lontani, perché una cosa è certa le persone vanno via ma i ricordi restano per sempre.

Un lavoro ricco di mesta felicità accompagnato da testi incisivi e da una melanconica linea melodica che si espande e ritrae in modo eclettico e provocatorio. A rendere magico il tutto, contribuisce in modo rilevante la voce gutturale, scandita da esotici arrangiamenti elettronici. Estro e originalità alla base di una semplice struttura compositiva che non ha bisogno di nessun arrangiamento barocco per imprimersi nella mente. L’album si apre con la dolcissima La tua vita, poggiata su un tappeto di arpeggi delicati che assieme a intrecci di tastiera eterei ed ammalianti creano un’atmosfera pacata e trasognante. Un brano dove si palesa istantaneamente la confessione di un artista stanco della saccenteria ad ogni costo; viva è la presa di coscienza della pesante leggerezza di coloro che confondono l’educazione con l’inesperienza.

La musica finale sfuma e ci si ritrova catapultati nel pezzo successivo. Un nuovo inverno è un brano di polso e senza compromessi, che coinvolge l’ascoltatore in un crescendo ritmico a cui si amalgamano rumorose digressioni elettroniche. Dal sapore quasi cinematografico, esplode in un monologo finale senza respiro, capace di riportare in auge la malinconia legata a irripetibili scenari passati. Quattro anni a Roma è uno dei momenti, a mio parere, più sublimi dell’album. Il verso “Certo che Roma è sempre bella” risuona come la scia di un’eco latente atta a paralizzare, con il suo continuo ripetersi, anche i pensieri più dinamici. Un sincronismo strumentale che ritroviamo in tutto l’album e che getta le basi per quello che può essere considerato un perfetto pop-rock, avvolgente anche nei suoi momenti più ruvidi.

Graffi e Avamposto #31 si manifestano come forze molecolari in equilibrio tra legami shoegaze, digressioni elettroniche e acidi sintetizzatori. La consapevolezza di una transitoria perdita di coscienza (“dimenticare se sono proprio io; dimenticare se siamo ancora noi”) che ritorna segnata dal lungo assedio di cicatrici indelebili,…

Leggi l´intero articolo di Mara D‘andria su PaperStreet

Il problema di questo tipo di film è che, stante il loro pretesto narrativo, si devono imporre una grammatica visiva molto stretta per inserire nel racconto la loro mimesi della ripresa. Essa poi deve continuare anche durante il panico e gli incidenti; c’è una sorta di buffa moralità in questo genere di film: chi riprende deve continuare a riprendere, qualunque cosa succeda. Questa grammatica della visione fallisce in Seru.

Il film pone due questioni diverse. La prima è: chi filma? Il plot fornisce la risposta, ma non sempre credibile come realizzazione. Per esempio in una scena – dopo l’attacco della ragazza posseduta che fa strage con una falce – tre dei personaggi strisciano sconvolti e terrorizzati lungo la parete, con grandi “sssst!”; quest’inquadratura è possibile solo se diamo per scontato che il quarto personaggio, che sta filmando, si muova in parallelo di fronte a loro, il che è piuttosto grottesco. La verità è che qui il suo essere personaggio è stato assorbito dalla necessità di filmare.

Ma la seconda questione è più problematica – né il film le dà alcuna risposta. In Seru vi sono due cinecamere diverse, in mano a due gruppi diversi: il film si alterna fra le due; e quindi il problema è: chi monta? Da dove viene questo montaggio parallelo per cui passiamo continuamente da una macchina all’altra? Naturalmente si potrebbe ipotizzare che quello che stiamo vedendo sia un editing posteriore alla vicenda, effettuato dai ritrovatori dei filmati; però nella trama di Seru non c’è assolutamente niente che suggerisca questa soluzione.

Tanto più che, verso l’inizio, abbiamo modo di vedere anche un frammento del film-nel-film, mentre viene girato, finché la ripresa non si interrompe improvvisamente perché una ragazza ha una crisi e cade a terra, posseduta dagli spiriti. Questo momento è bello, perché, rivelando che la scena del film-nel-film è finzione, passa di colpo a esibire quel controcampo invisibile di ogni film (e non enunciabile per definizione) che sono le macchine da presa, il regista e la troupe, insomma tutto l’apparato delle riprese. Tuttavia anche qui va fatta un’obiezione: il film-nel-film che vediamo mentre viene girato, lo vediamo già montato! Ci sono cambi d’inquadratura sugli attori, compresa un’inquadratura dall’alto di un albero; c’è perfino già il commento musicale. E’ come se questi cineasti riuscissero a realizzare nello stesso tempo le riprese e la post-produzione – un vero miracolo, che appare più magico di tutti gli spiriti del bosco infestato.

Tutto questo discorso sembra dover sfociare nella considerazione che Seru è un film fallito. La cosa più interessante di tutte è invece che funziona egualmente. Resta un horror piuttosto fluido e piacevole (ricorda l’indonesiano Keramat, di Monty Tiwa, ma meno intellettuale), capace di offrire alcuni autentici momenti di paura, un’accettabile dose di blood and gore e (almeno ad occhi occidentali) un autentico senso di orrore esotico nei suoi strani rituali. Morale: quando lo sguardo della macchina da presa si incarna in un operatore interno alla diegesi, nascono rischiosi problemi; ma evidentemente al cinema la suspense sopravvive anche al difetto di logica delle inquadrature. …

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La storia è quella del rapporto dell’autore – un docente di filosofia americano – con il suo lupo, Brenin. Un rapporto esclusivo, simbiotico, durato undici anni e che ha segnato irreversibilmente la vita di entrambi. Un rapporto che è stato il punto di partenza per una riflessione a carattere strettamente filosofico e che ci viene proposta in queste pagine in modo semplice ed essenziale, senza troppi tecnicismi ma senza scadere nel banale qualunquismo.

L’assunto di partenza è un radicale pessimismo nei confronti degli esseri umani, assimilati, secondo la teoria evoluzionistica, alle scimmie; essi agirebbero soltanto in vista di un utile e i rapporti umani sarebbero strumentalizzati in tal senso. Un meccanismo che contraddice – proprio in senso evoluzionistico e, quindi, inevitabile, secondo l’autore – la famosa massima kantiana, secondo la quale si dovrebbero trattare gli esseri umani, sia nella propria persona che in quella altrui, sempre anche come fine e mai semplicemente come mezzo.

A questo sistema si contrappone quello del lupo. L’insegnamento che l’autore ha ricevuto, vivendo a stretto contatto con Brenin, è che è possibile un modello comportamentale alternativo, basato sulla fierezza, sull’onestà, sul coraggio e sulla piùà genuina istintività. Un modo di essere che ignora la scaltrezza, i sotterfugi e l’inganno.

Dai due modelli contrapposti si ricava una teoria del male, partendo dall’idea di responsabilità morale: l’autore sostiene che “l’unico, indiscutibile contributo delle scimmie al mondo è quella sorta di premeditazione che anima i loro rapporti” (p. 97). Da dove deriva tutto il male del mondo? “Immanuel Kant disse, correttamente, che il dovere implica il potere. Dire a qualcuno che deve fare qualcosa implica l’idea che quel qualcuno possa farla. […] Se definiamo la banalità del male in termini di incapacità, ci garantiamo una scusa fin troppo comoda […]. L’incapacità elimina la colpevolezza” (p. 96). In conclusione, quindi, “il mancato adempimento del proprio dovere, sia morale sia epistemico – una mancanza che si fonda sulla non volontà piuttosto che sull’incapacità – è alla base della maggior parte del male nel mondo”.

Riflessioni sul male, ma anche un tentativo di elaborazione di una nuova teoria della giustizia: a partire da una modificazione dell’idea di partenza rawlsiana, l’autore arriva a includere in essa anche i diritti degli animali.

Ma questo libro è tutt’altro che un mero trattato di filosofia. Questa è una storia d’amore, né più né meno. Perché mi ha riportato alla mente quello che ho provato sulla mia stessa pelle. La storia di Mark e Brenin si sovrappone quasi perfettamente alla mia e della mia prima compagna a quattro zampe, con una buona percentuale di atavicità lupesca nel sangue. Simbiosi, empatia, condivisione totale di due menti.  …

Leggi l´intero articolo di Francesca Merlo su PaperStreet